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电子音乐文化与 ACG 文化

在80年代以前，用以制作电子音乐的昂贵的设备和庞大的工作室让人们望而却步，直到1982年Commodore 64计算机的发售才得以解决此问题。其中的C64 SID芯片是第一批被用在家用电脑的声音芯片之一，这种家用系统能有效率地将芯片声编辑成歌曲。以及后来1985年的Commodore Amiga，它是第一款能够使制作人轻松编辑节奏和切片以及采样的家庭系统，推动了20世纪晚期电子舞曲的蓬勃发展，即使Amiga在商业上失败了。

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这个时期诞生过许多经典的游戏配乐，详情请见芯片音乐#电玩音乐的童年。

90年代末到00年代中期是一个Atmospheric Jungle风格经常出现在许多主机游戏配乐上的时期。

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一些 VOCALOID职人会使用电子音乐进行创作。如 kz 擅长EDM House Music。
《 Hotel Moonside 》一般被认为是ACG中的"A"界的EDM发展的起源之一。这首歌曲的成功，引发了《偶像大师系列》后续由井上拓带来的舞曲热潮和大量的同人Remix创作。
不少音乐游戏的都收录了众多电子舞曲，电子舞曲对于的注重打击感的音游来说具有天生的优势，而Hard Dance这一电子舞曲场景（Scene）的文化更是极大影响了日本音游的发展，并且充斥着许多后锐舞（Post-Rave）音乐的要素，比如那个时代的经典采样等。
也有以电子音乐为主题的二次元企划。在万代南梦宫娱乐运营的《电音部》企划中，故事发生在电子音乐已经成为世界音乐文化的中心的近未来，DJ文化成为大家耳熟能详的文化，少女们围绕电音谱写着自己的青春赞歌。
作为一个实例， Lantis 创立了专门对ACG歌曲进行Remix和 DJ Event的企划"Club Lantis"，在此之前也制作了《偶像大师百万现场》系列和《偶像活动系列》的曲目的Remix专辑。

常见器材与手段

合成器（Synthesizer）是一种产生音频信号的电子乐器。合成器通常通过减法合成、加法合成和频率调制（FM）合成等方法生成波形来产生声音。这些声音可能会被滤波器（Filter）等部件改变，滤波器可以切断或提高频率（Frequency）；包络，控制发音或音符的开始和结束时间；以及低频振荡器（LFO），它调节影响音色的音高、音量或滤波器特性等参数。合成器通常由键盘（一般为钢琴键）播放、演奏，或由音序器、软件或其他仪器控制，并可通过MIDI信号与其他设备同步。

压缩器（Compressor ）是一种随着输入信号电平增大而本身增益减少的放大器，实质上改变的就是输入与输出信号的比例。当信号过大时会压缩信号使其在想要的控制范围之内，多用于控制动态范围。

混响（Reverb）效果是应用于声音信号以模拟混响的音频效果。它可以通过物理手段创建，如回声室，或通过音频信号处理以电子方式创建。

延迟（Delay）是一种音频信号处理技术，它将输入信号记录到存储介质中，然后在一段时间后回放。当延迟播放与实时音频混合时，它会产生类似回声的效果，从而听到原始音频，然后是延迟音频。延迟的信号可能会被回放多次，或反馈到录音中，以产生重复的、衰减的回声。

合唱（Chrous）是一种音频效果，当具有大致相同时间和非常相似音调的单个声音汇聚并被视为一个声音时，就会产生这种效果。虽然来自多个来源的类似声音可以自然产生，比如唱诗班或弦乐团，但也可以使用电子效果单元或信号处理设备来模拟。

均衡器（EQ/Equalizer）是一种可以分别调节各种频率成分电信号放大量的电子设备，通过对各种不同频率的电信号的调节来补偿扬声器和声场的缺陷，补偿和修饰各种声源及其它特殊作用，一般调音台上的均衡器仅能对高频、中频、低频三段频率电信号分别进行调节。

滤波器（Filter）可以对信号中特定频率的频点或该频点以外的频率进行有效滤除，得到一个特定频率的信号，或消除一个特定频率后的信号。

失真（Distortion）在信号处理中是信号的原始形状（或其他特征）的改变。在通信和电子技术中，它是指电子设备或通信信道中承载信息的信号波形的改变，例如代表声音的音频信号或代表图像的视频信号。

声码器（Vocoder）是一种语音编码，用于分析和合成人类语音信号，用于音频数据压缩、多路复用、语音加密或语音转换。

风格与体裁

作为一种包容性极强，具有先锋创造力的音乐类型，电子音乐的分类实际上相当的复杂。

同时，类型的边界并非是绝对的，大部分作品都掺混多种元素，而不是简单的非此即彼拒绝风格撕逼，从我做起。

分类只是一个人类简化世界的手段，如果认为分出的类型就能概括所有作品的话会遗漏非常多的重要信息。

以下是给出的关于电子音乐的主要风格体裁或场景等的分类：

Disco

迪斯科诞生于20世纪60年代末的美国地下派对与同性恋俱乐部并在70年代初兴起，标志着电子舞曲的诞生。最初迪斯科舞厅的歌曲播放榜单则在1974年出现，榜单主要都是纽约市的迪厅DJ们播放的舞曲。这种音乐的特点是4/4拍的Bass Drum（即four-on-the-floor节奏型）以及出现在反拍上的六分音符Open Hi-Hat。在其诞生的首个十年内，Disco也常常具有源自费城灵魂乐(Philly Soul)的扫弦和丰富的管弦乐。

对早期Disco产生影响的流派还包括放克乐(Funk)的错位节拍（重音前置或后移）和Chanking ^[3] ，以及来自西班牙美洲音乐和非洲音乐的节奏和打击乐，最著名的例子可以追溯到Manu Dibango的《Soul Makossa》，这是一首由新兴的舞池文化推动的早期热门曲目。其他影响还包括爵士乐(Jazz)的开放式、延长作曲，以及迷幻乐(Psychedelia)的效果器氛围。以上这些流派连同相关的摇滚(Rock)风格，都在70年代早期的舞池中占据着主导性地位。

一些曲目基于流行灵魂乐(Pop Soul)或展示此流派在70年代与流行音乐(Pop)的日益重叠而采用常规的歌曲结构，而其他曲目则是强调器乐（可能缺少歌唱或只是包含简单和重复的人声线）。在演唱者中，黑人"diva" ^[4] 女歌手偶尔也从福音音乐(Gospel)背景中汲取灵感，特别是Gloria Gaynor和Loleatta Holloway。

Disco主要是制作人的流派，只不过其中演唱者通常才是唯一获得重要认可的音乐家。最具影响力的合作例子之一是Giorgio Moroder (“My name is Giovanni Giorgio, and everybody calls me Giorgio”) 和Donna Summer的合作。Larry Levan, Tom Moulton, Walter Gibbons等DJ和混音师也在该流派的演变中发挥了类似的重要作用，他们通过开创Disco的Remix和12英寸单曲推动了该流派的发展。制作内容的范围从使用灵魂乐和放克乐的乐器如吉他或完整的鼓组（尤其是在美国的早期Disco），到使用更多合成器和鼓机的Euro-Disco。这些欧洲制作人的创新对Electro-Disco和电子舞曲的发展发挥着重要作用。

1979年7月12日的下午，迪斯科音乐永远葬送在了芝加哥科密斯克公园的棒球场上，此次暴动事件被后来称为“迪斯科毁灭之夜”，标志着迪斯科潮流的结束。 ^[5]

到了20世纪80年代，Disco对于正在崛起的流行舞曲(Dance-Pop)和当代节奏布鲁斯(Contemporary R&B)产生了重大影响，这些音乐风格连同Synthpop将会超越Disco在流行文化中的主导地位。而Disco本身又将回归到俱乐部音乐的根源，其影响在舞曲的Post-Disco时期也仍然存在着，同样也包括了Boogie, Italo-Disco, Hi-NRG这些新兴风格。在这个时期像Levan和Frankie Knuckles（House之父）这样的DJ开始将电子乐器用于他们在迪斯科舞曲的创作中，也就是后来的诞生的电子舞曲奠基风格——浩室舞曲(House)。即使在80年代末浩室舞曲取代迪斯科舞曲成为最受欢迎的舞曲流派后，他们还是会在开创浩室舞曲的过程中采用其来自迪斯科舞曲的根源。

尽管Disco从未在20世纪70年代达到过巅峰，但它的持续影响包括自21世纪00年代以来Nu-Disco的发展，同时，21世纪10年代末和21世纪20年代也见证了在流行音乐中Disco之声的复兴。 Disco示例歌曲

Techno

Techno音乐受House影响巨大，揉合了Funk、Electro等元素，在4-to-the-Floor节奏型的基础上削弱掉弱拍的强度（从House里的Groove变为Techno中的Rumble），用更黑暗，更沉重的方式演绎着电子音乐。

Techno最初来源于底特律的黑人，后来在德国得到巨大发展，逐渐形成庞大的Techno体系。如今的Techno已经并不局限于传统的工业风味，而是有了更广泛的子风格与受众。

Techno一词来自于Alvin Toffler于1980年的著作《第三次浪潮》中的名词“techno-rebels”。由Belleville Three之一Juan Atkins命名。 Techno示例歌曲

Hardcore

Hardcore在1990年代起源于英国、荷兰和德国。它的特点是较快的节奏（160-200 BPM或更高）、失真的锯齿波底鼓Kick音色和高密度的Kick编排、合成器低音（在某些子体裁中），音乐主题的氛围有时是凶猛剧烈的，在饱和度和实验性的使用上接近工业舞曲。

Hardcore最早可以追溯到20世纪80年代末的Breakbeat Hardcore（Oldskool Rave Hardcore），其影响了Hardcore Techno在90年代初的诞生。后来这一风格又从英国到了荷兰变为Gabba (AKA: Gabber)，Gabba的BPM逐渐变快，Kick也变为更为扭曲、失真的锯齿波，因此奠定了今天Hardcore的诞生与发展。而到了千禧年，Nu-Style Gabba衍生出了Millennium Hardcore，Hardcore变得更具有侵略性，变异的鼓点和简单的旋律使之产生了新的变化。到了千禧年后期，Millennium Hardcore的旋律方面得到增强，人声与歌曲有了递进关系，Hardcore变得更具能量性。最后到了10年代初，新式旋律的Hardcore也就是今天的Mainstream Hardcore则诞生了，它也变得更加流行化，编排方面也有了定性。 Hardcore Techno示例歌曲

Hardcore (UK)

Oldskool Rave Hardcore

更常见的叫法是Breakbeat Hardcore，同样诞生于90年代初期，他继承了Rave Techno的声音发展，他的出现也证明了当时人们对速度的追求，除了Hoover、Noise、Acid和快速的节拍，他更是有着大量的Breakbeat、滑音钢琴甚至Vocal的加入，他比Rave Techno更加“Rave”，更加能让舞池躁动，同时也将Rave运动带往一个新的方向。后续除了影响了Happy Hardcore的诞生，也影响了Darkcore（DnB分支）和Jungle（见下文" Jungle and Drum 'n' Bass "），这些都是Rave运动的重要角色

Happy Hardcore

Happy Hardcore起源于20世纪90年代初的英国，受Breakbeat Hardcore、Happy Gabber和Club Trance的极大影响而诞生，并兴起于90年代中期。其特点是“柔软的”Kick，柔美的弦乐声和人声，Rave音乐的切分钢琴，以及唯美欢乐的歌曲氛围。

Happy Hardcore这个风格给了我们标志性的Candy Ravers——梳着小辫子、披着绒毛、戴着彩虹色的遮阳帽、穿着肥大的裤子、喊着PLUR、吹着口哨、吸着奶嘴、戴着手镯、啃着糖果、撒着闪光粉、穿着毛绒动物背包、吸着Vicks、摇着荧光棒、穿着装饰着卡通人物或毒品的婴儿T恤，经典的Raver特质。

Happy Hardcore到了20世纪90年代末或21世纪00年代初转变为Trancecore，发展出Freefrom和早期的UK Hardcore

如果没有可爱的歌词和童谣的旋律，它真的可以被称为Happy Hardcore吗？它有什么快乐之处？很明显，这个洒脱、成熟的Candy Ravers的新品牌需要一个新的名字，但该怎么称呼它呢？

Freeform

Freeform Hardcore最初被称为Trancecore，它跟Happy Hardcore相比受到了更多风格体裁的影响，是Happy Hardcore、Euro Trance、NRG等风格融合衍生的一种风格。

由90年代末期Trancecore的声音发展而来，准确来说是Trancecore之后更名为Freeform Hardcore。人们认为Happy Hardcore的声音过于小孩子气，并且追求更硬的声音表现，在Freeform中，NRG的能量感、尖酸的303音色和Euro Trance的Supersaw成了主角，更加的具有侵略性。你可以把Freefrom当做是英国的Acidcore，不过需要注意，真正的Acidcore并不指Freeform，而是Gabber的一种制作形式。

UK Freefrom旗下有分支FiNRG，这是芬兰诞生于芬兰厂牌FiNRG Recordings的分支，在合成器使用上于UK Freeform略有不同。

Freeform很幸运的一直发展至今，在Freeform之后诞生的声音叫UK Hardcore

UK Hardcore

“UK Hardcore基本上只是加速了Eurotrance”，这话听上去似乎有些滑稽，不过这是确确实实的事实（，诞生于00年代初的UK Hardcore听上去并没有独到的特色可言，但他最特色的点就是只有英国一个国家发展这个声音，前文的Happy Hardcore有英国、荷兰和德国，Freeform有英国、芬兰和荷兰。UK Hardcore原本也是Breakbeat Hardcore的别称，随着90年代末Rave运动的衰弱，人们企图复兴Rave场景，UK Hardcore的声音诞生了，可以说是削弱版的Freeform，因为他只继承了Euro Trance的要素，到00年代中后期也随Handz up的流行发展的更像加速的Handz Up。加速版Euro Trance这个形象一直到UK Hardcore的EDM化才有所改变

2012-2015

UK Hardcore开始EDM化的大约时间是2012年，在Early 10s便开始逐渐褪去Euro Trance的声音，在此年份期间的UK Hardcore表现十分的电气化，大体是受到Electro House影响，不过没有具体的考证（但事实确实如此），因为这个时期也是Electro House系列异常火热的时期，同时也出现了Complextro×UK Hardcore的形式

2016-Future

UK Hardcore在这个时期的Lead表现开始接近Euphoric Hardstyle，不过18年之前并没有那么高的相似度和元素重合，还是很有自己独特的风味的个人认为UK Hardcore在EDM化后，2015-2017为巅峰时期，各色厂牌都有自己的特点，其中OneSeventy更为独树一帜。 UK Hardcore在EDM化后，也有融合当时的一些热门风格如Bigroom、Melbourne Bounce曲目（喜欢我Stay Young吗）。而后Tweekacore加入制作阵营，提出“Happy Hard”概念，也代表UK Hardcore此后开始紧贴Hardstyle发展。近年很多制作人都在尝试给UK Hardcore做各种各样的元素融合，恰如Trancey风潮的回归，又或是迎合一些主流Hardstyle趋势的制作手法，这些或许是未来UK Hardcore的方向，也或许只是昙花一现 UK Hardcore除了英国还有澳大利亚（S3RL、JTS、Haze等制作人）、加拿大（尤其是Anabolic Frolic ^[6] ）、日本（DJ Shimamura、DJ Noriken等）和美国等地传播这种声音。 Oldskool Rave Hardcore示例歌曲

J-Core

J-Core (AKA: Japanese Hardcore Techno)是Hardcore Techno的一种形式 ^[7] ，因其充满活力（大嘘）地融合了各种主要是Hardcore的风格而闻名。"J-Core"一词诞生于2006年（日本）海外的一个论坛里，它最初是指DJ Sharpnel以御宅文化为主题的音乐，但后来扩大到几乎指任何具有日本感觉的硬核音乐形式。

DJ Sharpnel在90年代末将日本动画的采样融入到Gabber、UK Hardcore、Happy Hardcore和Speedcore里制作成的Nerdcore Techno以及其他早期日本硬核制作人如m1dy、M-Project，他们都为J-Core提供了基本的要素。但此时由于版权法的原因，重采样的早期J-Core衰落了，而另一种保留了御宅文化与日本可爱文化且更多地融进各种电子舞曲风格以及电波系、J-Pop的J-Core开始兴起，这时J-Core的内容与形式更偏向主流与欢快。

J-Core此时与特别是在同人展上发售的动漫与游戏保持着密切的联系。比如东方Project 文化影响了J-Core制作人REDALiCE和 t+pazolite 的产生；再如科乐美旗下的 Beatmania IIDX 系列和 BEMANI 系列的音乐游戏等，使J-Core的形式变得更跳跃或者说是为了让玩家的游玩难度越来越困难。但音游也使J-Core变得越来越多样化，或者说所谓的更“缝合”。

早期J-Core的重采样形式也对Lolicore产生过影响，但后者更注重于对日本动画里萝莉的人声进行采样；后来流行化的J-Core也对欧美的“Nightcore”文化产生过影响。（早期）J-Core示例歌曲

IDM全称为Intelligent Dance Music（智能舞曲）（AKA:Braindance），是一种诞生于20世纪90年代初的英国的电子音乐风格，被认为是 "脑洞大开"的更适合在家听而不是用于跳舞的“舞曲”。IDM从Rave音乐中兴起，如Ambient Techno、Acid House和Breakbeat，它倾向于依靠个人主义的实验，而不是坚持与特定流派相关的特征。IDM消解了舞曲和舞池的联系，基于Breakbeat，与Jungle鼓组的紧密契合则造就了它更强的Rave性。

在中国，IDM也是最早的电子乐迷所追逐研究的风格之一，当时中国的电子乐迷听的最多的就是IDM和Trip-Hop。 IDM示例歌曲

New Wave

新浪潮音乐算是一个定义松散的音乐流派，其基因中只有一半为电子舞曲，而另一半为朋克音乐，且本文重在围绕其电子舞曲一侧而进行介绍。

New Wave最初诞生于70年代末，在1981年成立的MTV后，该电视网大力推广New Wave的节目，使这一类型的节目大受欢迎，更是成为80年代的经典声音之一。

New Wave最大的特点就是会使用大量的合成器音色包括鼓机或电子鼓等来创作歌曲，在这方面其有两大衍生流派，分别是在美国的Synthpop以及在日本的City-pop。

Synthpop

Synthpop (Synthesizer Pop的简称; AKA: Techno-pop)是New Wave的一个子风格，最早在20世纪70年代末崭露头角，以合成器为主要乐器。它是在20世纪60年代和70年代早期由前卫摇滚、Electronic、艺术摇滚、Disco，特别是Kraftwerk等乐队的泡菜摇滚中使用合成器而形成的。在日本和英国的后朋克时代，作为70年代末至80年代中期新浪潮运动的一部分，它成为了一种独特的流派而产生。

City-pop

City-pop是一种定义松散的日本流行音乐流派，兴起于1970年代末，在1980年代达到顶峰。它最初被称为日本受西方影响的“新音乐”的一个分支，但后来也包含了广泛的风格--包括AOR、软摇滚、R&B、放克和布吉--这些都与日本新兴的经济繁荣和休闲阶层有关。它还与新技术相联系，如随身听、内置磁带机和调频音响的汽车以及各种合成器等电子乐器。 Synthpop示例歌曲

Synthwave

Synthwave (AKA: Outrun, Retrowave, Futuresynth）诞生于21世纪00年代中期，主要是基于20世纪80年代的动作、科幻和恐怖电影配乐的相关音乐，其他的影响则来自于那个年代的艺术和电子游戏。Synthwave的制作人经常会怀念上世纪80年代的文化，并试图捕捉那个时代的氛围并加以庆祝。

Synthwave在10年代中期诞生的子风格Vaporwave（蒸汽波）更是一度在互联网上大火。它的部分定义是由它对20世纪80年代和90年代的Smooth jazz, Elevator, R&B和Lounge Music的放慢、切碎和扭曲的样本。周围的亚文化有时与消费资本主义和流行文化的一种模棱两可的或讽刺的看法联系在一起，并倾向于以怀旧或超现实主义的方式参与前几十年的流行娱乐、技术和广告为特征。 Synthwave示例歌曲

Jungle and Drum 'n' Bass

Jungle诞生于20世纪90年代初的英国，兴起于Breakbeat Hardcore (AKA:Oldskool Rave Hardcore)。Jungle的特点是快速的（150BPM-170BPM）Breakbeat采样 ^[1] （通常采样自《Amen,Brother》架子鼓独奏的片段，即Amenbreak），重度切分音的打击乐循环、采样和合成效果，与Dub、Reggae和Dancehall，以及Hip-Hop和Funk中的深沉Bassline、旋律和人声采样相结合。

Jungle是Rave运动中对黑人种族歧视的一种防抗表现，内容多为黑暗且美化暴力，处处充斥着匪帮元素。而Jungle“节奏作为旋律”的特点扭转了在西方音乐界“旋律胜过节奏”的统治地位，反过来增加了它的极端特色。

Jungle到了20世纪90年代中期，英国白人为了使其商业化与流行化则把其音乐照搬后称其为Drum 'n' Bass。Drum 'n' Bass的质感比Jungle更加干净不少，Breakbeats的鼓点节奏变得更为规律整齐且更强调了Sub-bass在歌曲中的扮演。Drum 'n' Bass放弃了所有的现实主义，试图创造相反的效果：合成的、未来主义的和技术性的。

在伟大的Rave时代之后，整个电子舞曲两极分化为两个相反的宇宙，在Drum 'n' Bass内部不是最不明显的。一边是智能/复杂/环境/进步的音乐方式（Oldskool DnB, Jazzstep, Liquid, Dubstep, UK Garage, Broken Beats），另一边是硬核/狂欢/外向/线性方式（Oldskool (Ragga) Jungle, Breakbeat Hardcore, Darkside Hardcore, Hardstep, Techstep, Jump Up, Post-Dubstep）。但这些极点显然是相互影响的，有时还会交叉。正是这种复杂节奏与深沉的、具有威胁性的Bass的黄金组合，使得Drum 'n' Bass如此流行。Jungle与它交织的激进抗议感相匹配（类似于Reggae或Rap），它结合了 "危险的 "Rave的吸引力和实验性的 "智能 "舞曲流派的复杂性。 Jungle示例歌曲

Breakcore

Breakcore是Hardcore的一种形式，其特点是复杂的切碎的Breakbeat ^[1] 。Breakcore歌曲通常嘈杂、混乱，并且通常会采样音乐、电影和游戏等各种媒体的声音。

碎核最早是由Alec Empire在90年代中期开创，他将Jungle、Drum and Bass的Breakbeat与Digital Hardcore、Gabber的噪音和攻击性混合在一起。Digital Hardcore对许多早期Breakcore制作人产生了大量的Hardcore Punk影响力，随着这种流派通过Rave社区传播到欧洲和美国，这种影响力基本上也消失了。

碎核之后在00年代和10年代继续流行，并分裂成了许多不同的风格。00年代中期，加拿大制作人Venetian Snares制作的两张专辑《Rossz csillag alatt született》《The Chocolate Wheelchair Album》将Breakcore与Drill and Bass和Modern Classical的元素结合起来，也将Breakcore传播得更广。与此同时，Drumcorps和Igorrr等制作人也将Breakcore与Digital Hardcore的常见融合形式发展为更现代的Breakcore和Metal的融合形式。

而到了今天的20年代复兴碎核则来自10年代像Renard和Goreshit这样的制作人通过广泛采样流行音乐以及游戏、动漫和网络迷因上传到网络上而传播开来，此时的碎核也回归到了90年代和00年代初当时的嘈杂、混乱的采样风潮，不过此时碎核的氛围会更加轻松（归功于部分受到Happy Hardcore和Breakbeat Hardcore等风格的影响），甚至精神上有延续90年代初的Atmospheric Jungle。这些制作人也影响了像Mashcore、Lolicore等基于大量采样而建立起来的子风格的发展（萝莉核早期还有Happy Hardcore、Noisecore这些模式，但后来到2009年更多地转向Breakcore）。

如今20年代复兴碎核在互联网上大火的一个主要原因为Sewerslvt制作的一系列碎拍音乐首先在YouTube上流行、传播开来，她声称自己做的音乐叫做"Breakcore"，虽然事实上Sewerslvt从未真正制作过碎核歌曲（顶多使用了碎核的元素，而她的类型主要还是Atmospheric DnB），然而互联网上却也陆续涌现了许多模仿她风格而创作碎核音乐的网络制作人，它们散布在各个平台上。 Breakcore示例歌曲

UK Garage

UK Garage起源于House的子风格Garage House，受到了breakbeat的巨大影响。其在House的基础上加入了大量Soulful以及人声元素，产生了全新的受众与子风格。 Garage House中的Garage不是说这是在车库里做的，而是和House一样，起源于一个俱乐部，伦敦的Paradise Garage。

UK Garage产生了很多重要的子风格，其中最为突出的便是创造了2-step drum pattern的2-step Garage。2-step便是推动了Dubstep类型出现的关键因素之一。 UK Garage示例歌曲

Dubstep

(UK) Dubstep

回响贝斯以Halftime切分和稀疏的节拍为特征，BPM为140左右，配以沉重的次低音(Sub-Bass)为主，于21世纪初在伦敦南部兴起。Dubstep是UK Garage的重要分支，受到了Dub Reggae以及2-Step Garage的巨大影响。

Dubstep通常以黑暗、夜晚、宽阔和“城市”氛围为特点，尽管它在不同的时期有很大的变化。该流派起源于千禧年之交的“Nu-Dark Swing”/“Dark Garage”场景，其中包含了从2-Step衍生出来的一种黑暗、回声的混音风格。它还可以追溯到Drum and Bass的低音跌落手法和Dub的倒带效果以及宽敞的声音。尽管Dubstep通常只是纯音乐或辅以人声采样，然而与同样源自UK Garage的Grime相比，Dubstep却是在大约相同的时间出现，两者经常互相影响，偶尔有MC参与。

Dubstep的早期阶段由一些制作人组成，例如Zed Bias, El-B, Benny Ill, Oris Jay，他们试图将DnB中的一些低音实验手段融入到2-Step中，这也与Breakstep的分支相关。与Big Apple Records厂牌有关的一群制作人以“Dark Garage”为基础而发展成早期的Dubstep。同时Benga, Artwork, Skream放弃了2-Step节奏型，转而采用了早期“Halftime”节奏型，这也成为了Dubstep的典型特征。

随着Dubstep在21世纪00年代中期在英国俱乐部中得到确立，它也开始变得多样化，衍生出各种风格发展。Burial的Future Garage代表了对仍保留Dubstep氛围的老式Garage节奏的回归；Joker的Purple Sound将受到Synth Funk影响的合成器主奏融入到Dubstep和Grime的节奏当中；当时的一些制作人开始制作一种称为Tearout的风格，其中包括了更复杂、无调性且粗糙的音色设计；还有一种被称为Riddim的风格，以三连音节奏和LFO调制主奏为特点。尽管有许多风格分歧，但Dubstep的整体音色还是保持一致，其受欢迎程度帮助其在英国之外的其他地方传播。

到了21世纪00年代末，Dubstep分裂为两个不同的广泛发展方向。首先是以美国为中心的浪潮，开始融入Electro House的影响，并逐渐取代Dubstep最初的黑暗、简约音色，后来演变为具有攻击性且急躁的Brostep、振奋人心的Melodic Dubstep和更悠闲、受Downtempo启发的Chillstep。第二次Post-Dubstep浪潮以英国为中心，极具实验性质，对Dubstep刻板格式的改变和来自IDM、Footwork、Techno的多样化影响，最终融合形成了UK Bass流派。Dubstep的后续发展形成了一种独特的黑暗、阴郁、冰冷的风格，称为Dungeon Sound。尽管Dubstep在21世纪00年代失去了当时的流行和地位，但它仍然在地下厂牌和渠道中受到欢迎。

Brostep

Brostep是在21世纪初期兴起的Dubstep的一个子流派，将Dubstep以Sub-Bass为主导的音色替换为强调具有攻击性的且通常是无调性的中音合成器主奏和更加精炼、明亮、富有气氛感的音色。Brostep通常缺乏Dubstep的重复性、自由形式和催眠的声音，而是更注重像其他流行的21世纪10年代的电子舞曲流派那样的Build-Up和Drop部分。主要由北美的制作人、厂牌创造和普及，Brostep的发展也代表了从英国00年代的Dubstep声音中脱离出来的主要风格，以及地理的转变。尽管这种流派在10年代变得非常流行，但同时也受到了Dubstep老听众和主流媒体的重度批评，常常被嘲笑为"机器人"或"恶心"的声音，但它在10年代却成为了最受欢迎的Dubstep子流派。Brostep这个词最初是由英国制作人Kozee开玩笑提出的（意思为北美的这种美式回响贝斯在英伦正统回响贝斯面前就是个弟弟），一些制作人和粉丝（随着时间的推移越来越多）接受了这个词，尽管它仍然被其大多数制作人和关联的厂牌以及社区广泛拒绝，他们却简单地称之为"Dubstep"。

Brostep的早期形式最初是由UK Dubstep的老将Rusko、Caspa（这俩共同发布的专辑《Fabriclive.37》经常作为一个重要的早期发布而被提及）和Coki共同创立，他们开始使用比他们同时代制作人更高频的合成器主奏和总体上更"蠢"、更有吸引力、更适合派对的音色。Excision和他的Rottun Recordings厂牌的其他制作人正在开发一个类似的声音，这是从一个早期的粗糙风格Tearout ^[8] 衍生出来的。归功于Electro House的日益影响，向以Drop为中心的曲目转变，以及像Borgore, Flux Pavilion, 16bit, SKisM, Dirtyphonics, Nero这样的制作人的出现，将会在2010年和2014年之间开启一段Brostep的大热发展期，最知名的例子则是Skrillex在商业上的成功。

像Never Say Die这样的厂牌将帮助给声音带来创新，导致更多样的发展：Drumstep，将Brostep和Drum and Bass的鼓点和BPM混合在一起，特别是Jump-Up；Deathstep和Tearout，更强烈和扭曲的Brostep变种；"Briddim"，将Brostep的主奏和Riddim的三连音、沼泽声混合在一起；Hybrid Trap，将Brostep和EDM Trap混合在一起。Brostep的独特合成器主奏同时也影响了许多其他在10年代的EDM流派，他们有时会借用其机械、复杂的声音设计，包括但不限于许多10年代的Electro House衍生流派（Midtempo Bass, Complextro, Bass House等）, EDM Glitch Hop, Dancefloor Drum and Bass, 甚至某些UK Hardcore的风格。Brostep有时也会和其他在10年代出生的Melodic Dubstep流派混合在一起，结果就是Chime创造的被称为Colour Bass的风格。10年代末，当流行的EDM转向像Future Bass这样的流派时Brostep的受欢迎程度有所下降，但Brostep在其音乐场景中仍然受欢迎，并且仍然是Bass音乐领域的显著元素。 (UK) Dubstep示例歌曲

Chiptune

Chiptune (AKA: 8-bit, Chip Music)是一种使用可编程声音发生器(PSG)声音芯片或老式街机、电脑和视频游戏控制台中的合成器制作的电子音乐。这个术语通常用来指追踪器格式的音乐，故意听起来类似于旧的PSG创造的音乐(这是这个术语的原始含义)，以及结合PSG声音与现代音乐风格的音乐。它被描述为“许多流派的解释”，因为任何现有的歌曲可以安排在Chiptune风格定义更多的选择乐器和音色，而不是特定的风格元素。

在许多70、80年代的电子游戏中使用的都是Chiptune作为配乐，如经典的《超级马力欧》的主题曲就属于Chiptune。 Chiptune示例歌曲

Ambient

Ambient实际上并非纯粹意义上的电子音乐，但它的出现以及发展对电子音乐产生了巨大的影响。

Ambient一名出自于Brian Eno的专辑《Ambient 1 (Music For Airports)》，据说是Eno在机场完成的。

Ambient重在突出一种环境氛围和声音本身，较少有鼓点和明显的主旋律并不绝对，比如子风格Illbient就有突出的鼓点，有点类似于国画的留白手法。

Ambient在当今音乐的去旋律化运动中作用巨大，有不少影视作品都将配乐向Ambient靠近。比如著名的科幻电影《银翼杀手2049》与《星际穿越》的BGM中就有非常优秀的Ambient作品。 Ambient示例歌曲

Experimental Electronic Music

Experimental Electronic Music，即Underground爱好者中口常讲到的实验电子，从严格意义上来说并非是一种风格。实验电子并不具有“风格”一词所定义的同质性，相反，其存在便是一种对同质化的坚决的挑战。

实验电子所追求的是一种对音乐边界的无尽的探索和打破陈规的先锋精神。是电子音乐中最具创新性以及叛逆性的代表。

实验电子是一切电子音乐风格的前体，一切音乐风格在成型前时都处于实验电子范畴之内。而实验电子也常常会形成一些新的体系，这些体系有时则会脱离Experimental范畴而进入大众视野之内。比如当下在商业上取得巨大成功的Dubstep和在上世纪英国Rave运动中大放异彩的Jungle在早期均是实验电子。

今天的实验电子更多是学院派严肃电子乐界的宠儿，在大众眼中露脸的机会并不多。但是如果失去了实验电子，电子音乐的世界将变成一潭死水。

Sandstorm Song Name, Please?

钓鱼梗，类似于爱的供养，再问自杀。金属先辈所使用曲目，通常在迫害曲目中混入此旋律。

撒贝宁杀乌鸡

来自SEVE的空耳。

来自《头文字D 》的插曲，一首Eurobeat——《 DEJA VU 》的空耳。

来自Bag Raiders的一首Electro-Disco——《 Shooting Stars 》

Rickroll

著名钓鱼 meme ，在10年代初与末分别在外网和内网火了两次。原曲为 Rick Astley 的一首Euro Disco——《 Never Gonna Give You Up 》。

红色电音极地大冲击

只要你敢触电—— 7 月 14 日、 7 月 15 日天地人间完全放电

主打DJ ROYSTEN 主打DJ BOBO

来势汹汹的TRANCE电音激爆网络神秘地带，加上风靡多年的霹雳舞，将你推向舞海极地，不用麻醉，一样情不自禁HI起来，飞起来......

本次活动由珠江纯生啤酒独家承办

音乐与专辑种类

音乐类别

按用途	片头曲( OP ) • 片尾曲( ED ) • 插曲( IN ) • 角色歌( CS ) • 主题曲( TM ) • 印象曲( IM ) • 宣传曲/广告歌( CM ) • 背景音乐( BGM ) • 音游曲

按收录特征	表题曲 • C/W曲 • 附赠曲( Bonus )

再创作形式	翻唱曲 • 混成曲 • 重编混( Remix )

风格流派形式	电子音乐 • 芯片音乐 • 合成器浪潮

其它	模组音乐

发行格式

单曲 • 专辑 • 隐藏音轨

专辑类别

原创专辑/全专 • 迷你专辑( EP ) • 概念专辑 • 现场专辑 • 合作专辑 • 特别专辑 • 翻唱专辑 • 混音专辑 • 原声带( OST ) • 广播剧专辑 • 精选辑 • 合辑