谢谢大家对这个答案的关注，没想到“嗖”的一下得到了这么多赞同。

以及，对当时引述资料有误的部分作出了更正。谢谢评论区里大家的意见。

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的确是低谷，可能比低谷更糟糕。

也绝非“Popular music got ‘bad’ when you got ‘old’心理，这样的情况在国外成立，因为欧美日韩是确实有自己的流行音乐，且歌手的商业价值与歌曲的流行度挂钩。但中国已经没有足够流行的作品和歌手，这几年尤其明显。

流行最表象的标准就是占领听众的耳机、大街小巷以及KTV，但是在这些地方，新歌又占了多大的比例？

偶尔有几首随电影宣传爆红的推广曲，卖的最好的数字专辑是鹿晗的《Reloaded（重启）》，但销量和流行没什么关系。

早些年有周杰伦、林俊杰、王力宏、五月天、苏打绿，蔡依林、孙燕姿、王心凌、刘若英、梁静茹、SHE……不太主流但传唱度高的算许嵩一个，一人一张专辑奉献一曲热单都不会是大众全年无歌的状态，前两年俘获大众的也有接地气的凤凰传奇，现在广场舞大妈都没新歌了。

如果十三亿人一年传唱度最高的歌只有几首，这还不叫没有流行，只是即将老去一代的酸涩心理，那我无话可说。

（插一句：有答主硬要拉上独立先锋音乐人说事，流行代表大众，独立先锋是小众代言，就像是有人问商业片是不是不行了，你跳出来嚷嚷：我们还有有艺术追求的文艺片导演，分明两个概念）

祸根是在繁荣期种下的。

黄霑2003年就说华语音乐已死，那个时候被视为数字音源冲击实体市场标志的彩铃《老鼠爱大米》影子还没见，周杰伦正是风光的时候。

后来的网络和欧美音乐的冲击加快了死亡来临的时间，而目前做歌赚不到钱的商业环境，又决定了华语流行音乐可能很长一段时间都会是躺尸状态。

下面说一说为什么做出这么悲观的判断。

一、这是一个没有自己旋律的国度

当年还是小鲜肉的四大天王

众所周知，80至90年代，是港台音乐最繁盛的时期，以刘德华、张学友为代表的四大天王席卷亚洲，在那个依赖发片维持偶像热度的年代，一年四专是常有的事。

但是香港本土的原创力量，根本达不到这么强。

当时市场上百分之七十以上的粤语歌曲，是"抄歌"之作（翻唱曲、抄袭曲、改编曲，其中前两者占比较高）：抄日文歌、抄英文歌、抄西班牙语歌……甚至不作二次创作。

在网络尚不发达的世界里，听众无知无觉。

并且，只要歌曲好听，就会有人埋单，管你原创不原创。

可是，虽然最后的结果是一样的，歌手需要的好歌和名气，公司想赚的钱，制作人要养家糊口，但是，成本是不一样的。

一首优秀原创歌曲的诞生，少则数月，多则几年，消耗太大。想赚钱的公司等不起，歌手的热度也等不起。

罗大佑撰文指责香港唱片业逼走黄家驹

这样的环境，逼得坚持原创的Beyond远走日本。

另一方面，看起来似乎比较尊重原创的台湾，也盛行拿来主义，大量作品源自日本歌曲的翻唱。邓丽君、刘若英等流行歌手的大量作品都是如此。

而不论是抄袭还是翻唱，最终的结果都是这个国家没有自己的旋律。

二、除了不悦耳，还找不到自己的声音

从本质上来说，不论是华语流行还是J-POP，K-POP，都来自西方音乐体系，都是学习的产物。天赋的音乐人完成了西方音乐的本土化，比如罗大佑、崔健、周杰伦。

前两者唱出了时代之痛，后者代言青春。

黄霑曾经对周杰伦嘻哈风的流行歌曲不感冒，他说：

“没有纽约街头的感受，没有美国Hip-Hop的环境，我们学就跟中央电视台常常播的洋人唱京剧一样，无论他们怎么好，都不会像中国人唱的那么好……怎么写都不可能写得过外国人，那为什么不听外国的Hip-Hop？”

黄霑担心的是中国味道的缺失，那不仅仅是加一段古筝唢呐戏腔就能带来的，是在博才众长写出的旋律里，唱出自己的声音，这代人的声音。

他说，罗大佑是，崔健是，李宗盛也是。

根植于自己文化的声音，有一个特点是，离开了这个文化背景，就难以引发共鸣。香港年轻人不会激动于《一无所有》，因为只有当时大陆的年轻人才处于那样的状态那样的迷茫之中。

崔健首演《一无所有》

果不其然，等到欧美流行乐随着盗版音源在网络迅速传播，大部分比不过原版的华语流行学习品，如黄霑所说，迅速被听众抛弃。但牺牲吐词成全节奏的杰式嘻哈风还是活了下来，因为外国人不会唱“快使用双节棍，哼哼哈兮”。

歌词的中国味道保证了曲目带来的亲切感，朗朗上口的旋律配上歌里人人都有的青春，那也算是一代人的声音。

而其实，即使没有周杰伦在旋律上的鬼才，抄习惯了写不出自己旋律的华语市场，也可以以词动人。

高晓松曾说，汉族人对词的重视度之深，以致常常忽略一首歌的其他部分。他对此有些愤愤，但反过来看，这恰恰代表着华语流行的一条出路。

可是，当下新生代歌手的作品，有多少是在真正表达，又有几个能引发广泛共鸣？

今年，又会选出怎样的歌手

在最高票答案里，对黄舒骏的采访中，有这样一段关于选秀新人的表达：

“我也参与过电视选秀或唱片公司找新人的活动，你会发现现在的年轻人他们很有自信。那你问他自信的理由是什么？他没有办法回答，可是他还是坚信自己很有自信，坚信自己很有个性，非常有个人的风格。那你再问他你的风格是什么？他又答不出来。也就是说——个人、个性、自信变成朗朗上口的一句话，可却是一个没有内涵的形容词。”

他把这样的现象解释为，当下的个体分化太严重，大家很难达到共识。这也成为高票答案支撑自己观点的证据。

但我的疑问是，既然达不成共识，为什么大家还会去听同样的老歌？

另一点，网络带来个体的分化是世界性的，难道只有我们国家的青年人，有个性到了连一首有同样共鸣的歌曲都找不到？

究竟是选手太有个性，还是这些自信满满的个体，其实既未看清自己，也不关心世界。

三、大部分人对华语流行的态度，其实是没有流行也没有关系

林夕，香港词人

2002年，黄霑说，林夕也会老，但后面还有谁？

九十年代最辉煌的香港唱片业不关心这些，他们无心挖掘下一代作词人。因为那个时候，唱片公司的老板已经发现，最赚钱的不是流行歌曲，最赚钱的是偶像歌手。

唱片公司的主顾变成了年龄下至八岁、十岁，肩上未有过过经济压力的粉丝们，歌手“唱成什么样他不知道，只知道他长得好，舞跳得好”，唱片公司摸准了这一点，就投其所好，“挑几个漂亮的，拼命包装就好了”。

从此，听觉系变成视觉系，歌曲变得更不重要了。

这样的时代在大陆来的晚一些，朴树老狼当道的时候，人因歌红，大家先为唱片买单，再为歌手买单。所以，虽然大陆市场盗版猖獗，唱片公司利益分配比例不理想，但总能从歌里赚钱。

后来，唱片业没落，盗版音源让做正版的唱片公司赔了个底朝天，纷纷转行做艺人经济，做商演赚钱。

商演，歌曲不是决定因素，知名度才是。而获取知名度最直接的方法是在音乐节目上露一嗓子，这不需要新歌，老歌就够了。

做这样歌手的演唱会，不是最赚钱的，等到韩流来袭，粉丝经济一说崛起，大陆商人们也知道了，偶像的演唱会最赚钱。

鹿晗演唱会，头戴鹿角的粉丝们创吉尼斯纪录

对于粉丝来说，有舞台就可以，舞台上站着那个人就可以，其他又有什么关系。

迷妹们都知道，决定自己偶像前途的是商业价值，一定要为他们的未来，撑起一片天，只是，这个国家歌手的天，和音乐关系并不紧密。

这和同受音乐数字化冲击的欧美日韩显著不同。在那些国家，有公信力的排行榜和音乐奖项，对歌手的声誉有非常重要的影响。即使是以包装偶像出名的韩国，歌手出道也是通过音乐节目和单曲打榜，没有新单曲的韩团很快就会被新人取代，人气下降。而不靠颜值俘获粉丝心的bigbang，靠的就是碾压其他团体歌手的一位单曲数目。

大牌助阵的某颁奖礼上，李宇春被叫错性别

但在我们国家，我们看到的是，曾经最具影响力的金曲奖变得越来越无人问津，音乐盛典明星变中心颁奖变闹剧，粉丝更加关注的是明星势力榜，是在网站页面的宣传位，这一切其实暗示了，在中国，好的音乐对歌手商业价值的影响，变得有多低。

可以说，当欧美日韩歌手需要用音源才能打开一片天的时候，我们这个国家，只要颜、真人秀和一张不需要真正流行的专辑，就够了。

但对于大众来说，这不是一个问题。欧美乐坛还活着，日本市场赶超美国，韩国在努力向这个最大的市场倾销自己的文化产品，好像有没有自己的流行，都没什么关系，反正我们总会有歌可听。

另外，新媒体大佬不肯让利，内容方永远赚不到钱，巅峰时期的选秀背后黑幕重重，有才华的人没有上升渠道，都是祸因。

有空详述。今天，就酱吧 :)

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